En 1986, Gary Hoffman reçoit le Premier Grand Prix Rostropovich à Paris. Il commence alors une carrière internationale et se produit depuis avec les plus grandes formations. Très demandé en musique de chambre, il collabore avec le Jérusalem Quartet, le Quatuor Modigliani, mais aussi en trio avec, notamment Pascal Moraguès et Claire Désert, Philippe Graffin et Gérard Caussé, Valeryi Sokolov. Assidument suivi pour ses talents de pédagogue, il enseigne lors de master class très prisées. S’il affectionne le grand répertoire classique pour violoncelle, il n’en dédaigne pas pour autant la musique contemporaine, dont il est un porte-parole engagé : les compositeurs Elliott Carter, Dominique Lemaître, Julius Bürger, Arad Atar. Gary Hoffman retrouve ce soir le pianiste australien David Selig, avec lequel il partage trois décennies d’amitié et de complicités artistiques.

PROGRAMME
La Sonate pour piano n°5 fait partie des cinq sonates pour violoncelle et piano de Beethoven. Sonates monumentales, elles ont posé les fondements de la pensée musicale du 20e siècle. La n°5 semble plus agressive et combative, son expression plus théâtrale. Beethoven y emprunte d’élégantes volutes au style ornemental de son époque. D’essence romantique, la Sonate pour violoncelle et piano n°1 de Brahms exhale une profonde mélancolie, à l’instar de son premier mouvement Allegro non troppo très lyrique. Elle obtient un immense succès à sa création en 1862. Le compositeur Albéric Magnard, très influencé par Brahms, est l’un des seuls symphonistes de grande envergure qu’ait connu la France à l’aube du 20e siècle. Composée en 1909, la Sonate pour violoncelle et piano est sa dernière oeuvre de chambre. Il fallut attendre les années 1980 pour que toute sa musique soit redécouverte. 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) – Sonate pour piano n°5, en do mineur, op. 10
Johannes Brahms (1833-1897) – Sonate pour violoncelle et piano n°1,en mi mineur, op.38
Albéric Magnard (1865-1914) – Sonate pour violoncelle et piano, en la majeur, op. 20

PRESSE 
Juste ce qu’il faut de chair dans l’archet, de la lumière dans le clavier et beaucoup d’équilibre, Gary Hoffman et David Selig vont au devant de l’auditeur tout en restant intime. Sans jamais perdre son élégance, le discours s’élance avec engagement. – Fabienne Bouvet, Classica

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Qui mieux que Wolfgang Amadeus Mozart pour souffler 40 bougies ? L’enfant prodige et compositeur prolifique, mort à trente-cinq ans, nous laisse tant de chefs-d’œuvre, et dans tous les genres. Celui qui a toujours recherché le naturel dans sa musique, même dans la virtuosité, et exprimé toutes les émotions humaines (ce qui lui vaudra l’admiration des Romantiques), reste le plus vénéré des compositeurs. Pas une minute sans que du Mozart ne soit joué ou réinterprété dans le monde. Mozart est bien sûr l’un des incontournables du répertoire de l’Orchestre des Pays de Savoie, qui se compose de 23 musiciens permanents (19 cordes, 2 hautbois, 2 cors). 

« Le premier mouvement doit être joué avec beaucoup de feu, et le dernier aussi vite que possible ». Du propre aveu de Mozart, il règne un élan tempétueux dans la Symphonie n°35, dite Haffner (du nom de son commanditaire). Écrite au lendemain de la première de l’opéra L’enlèvement au sérail, sa composition est un tourbillon irrésistible de joie. On retrouve la même fièvre mélodique dans l’éclatant Concerto pour piano n°14. Le soliste noue avec l’orchestre un dialogue qui, cette fois-ci, rappelle les échanges véloces des Noces de Figaro. Pour introduire ce programme entièrement mozartien, la Symphonie n°33 est un joyau tout aussi allègre et vif.

PROGRAMME
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) : Symphonie n° 33, en si bémol / Concerto pour piano n° 14, en mi bémol / Symphonie n° 35 en ré « Haffner »

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Mozart est un créateur, et comme tous les créateurs, il dérange. Son premier employeur (à partir de 1772), l’archevêque Colloredo, à Salzbourg, estime qu’il ne sait rien et qu’il ferait mieux d’aller apprendre la musique à Naples… Joseph Haydn prend publiquement le parti du jeune prodige, affirmant qu’il est « le plus grand compositeur que le monde connaisse » ! Mozart l’appelle tendrement « papa Haydn ». Ce programme réunit les deux grands compositeurs, en accueillant l’un des fils Bach dont le style préfigure le classicisme naissant. 

L’Orchestre de Chambre de Toulouse est fondé en 1953 par le chef et violoniste Louis Auriacombe. Très vite, l’ensemble acquiert sa personnalité musicale : ampleur et richesse des couleurs, limpidité du discours. Il est un enthousiaste défricheur d’un vaste répertoire qui s’étend de la musique baroque à la création contemporaine. D’une grande notoriété nationale et internationale, le plus ancien orchestre de chambre permanent français est constitué aujourd’hui de 12 cordes solistes. Depuis 2004, le violoniste Gilles Colliard en est le directeur musical. Soliste, chef d’orchestre, compositeur et pédagogue, il a repris en 2022 la direction artistique des Dimanches  Musicaux des Heures Claires, à Thonon. 

Johann Christian Bach (1735-1782) Symphonie n°6, op. 6, en sol mineur 
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Symphonie n°40, Ouverture des Noces de Figaro (version cordes) 
Joseph Haydn (1732-1809) Concerto pour violon, en sol majeur – Gilles Colliard, violon 

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À un ami jazzman qui lui fait la remarque que les musiciens classiques n’ont aucune liberté, Théo Ould révèle qu’il ne monte jamais sur scène sans improviser une interprétation. Ce féru d’opéra, mais aussi de rock anglais, envisage l’expression musicale comme un art total, explore jusqu’à ses limites ce territoire de création. Le jeune accordéoniste, âgé de 24 ans, a de la personnalité. Éclectique dans ses choix musicaux, il invite à redécouvrir au son de son instrument Bach, Mozart ou Haydn, collabore avec des compositeurs contemporains. Chambriste passionné, il partage la scène avec des formations peu conventionnelles, voire inédites. Ce soir, il retrouve le clarinettiste Florent Héau. Depuis son enregistrement consacré aux sonates françaises pour clarinette et piano, ce dernier est l’un des héritiers de cette grande école française de clarinette considérée comme l’une des plus brillantes. Avec ce programme, les deux musiciens mettent en lumière la frontière subtile et poreuse entre la musique dite classique et la musique populaire. 

PRESSE  
Main gauche d’une souplesse hallucinante, phrasé d’une richesse inépuisable, les interprétations de Théo Ould révèlent une personnalité qui s’exprime naturellement dans la fantaisie, au sens frais et enchanteur du terme.. – Le Monde

Œuvres de Lutoslawski, Bizet, Pierné, Bartok, Kovacs,…
Victoires de la Musique classique 2023 – Nomination : Révélation Soliste instrumental

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C’est sa performance comme soliste au sein de l’Orchestre philharmonique d’Israël, dirigé par Zubin Mehta, qui, à 16 ans, propulse Shirley Brill sur les grandes scènes internationales. Depuis, elle s’est produite avec grand nombre d’orchestres internationaux, tels que le Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, l’orchestre symphonique de Jérusalem, l’orchestre symphonique de Hambourg… Elle se produit aussi beaucoup en musique de chambre avec des partenaires tels que Daniel Barenboim, Sabine Meyer, Emmanuel Pahud, le Quatuor de Jérusalem. Elle se consacre aussi à la musique contemporaine, élargissant le répertoire de son instrument par ses propres transcriptions. 

À noter, dans le programme, la pièce Entr’acte pour quatuor à cordes  écrite en 2011 par Caroline Shaw. Artiste protéiforme et particulièrement prolifique, elle a composé plus d’une centaine d’œuvres au cours de la dernière décennie, pour Anne Sofie von Otter, Davóne Tines, Yo Yo Ma, Renée Fleming… Lauréate en 2013 du prestigieux Prix Pulitzer, elle s’empare ici d’un quatuor de Haydn pour le réinventer avec force et sensualité. Une réussite qui s’inscrit désormais dans le répertoire de la musique contemporaine.

PROGRAMME
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) Symphonie en ré majeur, Wq 183/1
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Concerto pour clarinette en la majeur, K622
Caroline Shaw (1982 – ) Entr’acte, version pour orchestre à cordes 
Franz Schubert (1797-1828) Symphonie n° 5 en si bémol majeur, D485

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Le livre d’or de la Philharmonie Baden Baden représente aujourd’hui un véritable Who’s Who de l’histoire de la musique mondiale : Franz Liszt, Hector Berlioz, Johann Strauss, Johannes Brahms, Richard Strauss, Enrico Caruso, Wilhelm Furtwängler, Karl Böhm, Béla Bartók, Bruno Walter, Igor Stravinsky, Edita Gruberová, José Carreras, Placido Domingo, Anna Netrebko, Anne-Sophie Mutter, et tant d’autres, tous ont accompagné depuis plus de 550 ans l’évolution de l’orchestre à travers les collaborations et les oeuvres que chacun de ces génies a signées pour la formation. Le Ballet de Hambourg, le Ballet de Zurich (Heinz Spoerli), la compagnie de ballet de l’Opéra d’État de Vienne et La Scala de Milan ont également collaboré avec l’Orchestre de Baden-Baden. Et l’histoire se poursuit sur d’autres scènes, concerts et tournées en Chine, Europe, États-Unis, Emirats Arabes Unis,… Avec des productions discographiques, télévisées et radiophoniques, des soirées de musique de chambre ou des concerts symphoniques classiques en plein air dans les magnifiques jardins de Baden-Baden, la Philharmonie présente une gamme variée de concerts, répondant ainsi aux diverses exigences de la célèbre ville d’eau allemande. L’orchestre développe également une action pédagogique très suivie avec l’Académie Carl Flesch : des classes de maître pour l’élite des jeunes instrumentistes à cordes.

Heiko Mathias Förster peut désormais se prévaloir d’une carrière de chef d’orchestre renommé de plus de trois décennies. Il la débute en 1989 avec l’Orchestre symphonique de Brandebourg, il est alors le plus jeune chef d’orchestre d’Allemagne. Puis se succéderont l’Orchestre symphonique de Munich, la Neue Philharmonie Westfalen (l’un des plus grands orchestres symphoniques d’Allemagne), l’Orchestre philharmonique Janáček d’Ostrava, le Prague Royal Philharmonic (qu’il fonde en 2017). Mais sa carrière se déploie aussi dans le monde entier, collaborant avec les plus grands ensembles, à l’opéra comme en concert. En 2022, il est nommé directeur artistique de la Philharmonie de Baden-Baden. 

À 33 ans, Nikita Mndoyants est un pianiste concertiste et compositeur russe réputé, plusieurs fois primé. Lauréat du concours international de piano Paderewsky en 2007 et Premier Prix du Concours international de piano de Cleveland en 2016, il se produit sur les plus grandes scènes du monde sous la direction de chefs d’orchestre parmi les plus reconnus. Depuis les années 2000, il cultive sa passion pour la musique de chambre aux côtés des Quatuors Brentano, Ebène et Zemlinsky.

PROGRAMME
Anatolij Ljadow (1855-1914) Kikimora, op. 63
Serge Rachmaninov  (1873-1943) Concerto pour piano et orchestre n°2. Soliste :Nikita Mndoyants 
Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893) Symphonie n°2 en do mineur, op.17, dite Petite Russie

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L’Ensemble Orlando Fribourg est une référence sur la scène internationale depuis près de trente ans. Dirigée par son fondateur, le pianiste, chef d’orchestre et chef de chœur Laurent Gendre, cette formation suisse à géométrie variable se compose de dix à trente chanteuses et chanteurs, et se consacre au répertoire vocal de la Renaissance tout en élargissant son horizon musical au Baroque italien, allemand et anglais. Si l’ensemble signe des restitutions actuelles d’œuvres connues et moins connues, elle en conserve toute l’authenticité historique et stylistique de l’interprétation. L’ensemble collabore régulièrement avec des ensembles instrumentaux renommés tels que Concerto Palatino, La Cetra Basel, Les Cornets Noirs. Trente ans de passion commune, de nombreux concerts (en Europe comme en Russie) et d’enregistrements (parus sous le label Cascavelle) étoffent un parcours exemplaire. 

PRESSE
Rigueur, souplesse, humilité… Le geste de Laurent Gendre, toujours ample, toujours souple, indique son souci de faire respirer les voix. – Julian Sykes, Le Temps

Heinrich Schütz (1585-1672) Ein Kind ist uns geboren / Also hat Gott die Welt geliebt / Herr, auf dich traue ich
Claudio Monteverdi (1567-1643) Cantate Domino / Magnificat a 4
Johan Sebastien Bach (1685-1750) Jesu, meine Freude, BWV 227 / Lobet den Herrn, BWV 230
Francesco Cavalli (1602-1676) Alma redemptoris mater

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Trente ans après avoir remporté à Evian le prestigieux premier Grand Prix du concours international de quatuor à cordes, le Quatuor Debussy revient sur notre rive avec ce concert-souvenirs composé des œuvres jouées en 1993. Inévitablement l’œuvre de l’indétrônable Claude Debussy, dont ils ont emprunté le nom et qui, comme un beau symbole, était au centre de leur tout premier disque enregistré à la suite de ce Grand Prix, et pour lequel ils ont reçu une Victoire de la Musique Classique trois ans après. Puis cet autre compositeur, au programme déjà de leurs premiers concerts, le Tchèque Leoš Janáček avec sa Sonate à Kreutzer,composée en 1924 en réaction à la nouvelle de Léon Tolstoï. Ce programme met aussi à l’honneur la compositrice française Germaine Tailleferre, l’une des rares femmes à avoir composé pour les quatuors à cordes au début du 20e siècle, et dont le travail a été souvent négligé. Ces œuvres sont accompagnées, tout au long de la soirée, par les lectures des comédiens Stanislas Roquette et Audrey Bonnet. Ils se concentrent sur la version de  La Sonate à Kreutzer écrite par Tolstoï. L’écrivain russe y dépeint l’horreur de la jalousie, symbole d’une passion conjugale dévastatrice, qui conduit le protagoniste à l’atrocité du féminicide. Les comédiens reprennent quelques passages du livre rédigé par la femme de Tolstoï, Sofia Andreïevna, en réponse à La Sonate. Le journal intime dévoile les souffrances et l’énergie de cette femme dévouée à l’œuvre de son mari. Une soirée musicale et littéraire autour d’une figure méconnue du féminisme.  

Claude Debussy (1862-1918) Quatuor à cordes en sol mineur
Leoš Janáček (1854-1928) La Sonate à Kreutzer, quatuor à cordes n°1 
Germaine Tailleferre (1892-1983) Quatuor à cordes
Textes : À qui la faute ? 
. Léon Tolstoï, La sonate à Kreutzer, et des extraits de son journal intime et de sa correspondance avec sa femme 
. Pascale Roze, textes inspirés du journal intime de Sofia Tolstoï (Lettre d’été + Sonia) 

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Ecrivain, critique musical, homme de radio, Philippe Cassard est avant tout un pianiste à la carrière exemplaire, si riche, si exaltante, depuis tant d’années. Il est notamment réputé pour ses interprétations des œuvres de Claude Debussy et de Franz Schubert. Deux compositeurs auxquels il rend fréquemment hommage, tant sur disque que sur scène. En 1993, il interprète l’intégrale de l’œuvre pour piano de Debussy en une seule journée et quatre récitals à Besançon, puis à Londres, Singapour, Sydney, Vancouver, Tokyo, Marseille,… Au sein d’une discographie riche de plus de 30 titres, ses enregistrements consacrés à Schubert et Debussy sont salués dans le monde entier. Il publie deux foisonnants essais sur Schubert (2008) et Debussy (2018). En spécialiste accompli, il s’infiltre avec audace au cœur des sonates de Schubert. Le programme de ce soir se concentre sur la Sonate pour piano en la majeur, chef-d’œuvre écrit en 1928, année de la mort du compositeur. Pas de joliesse ni d’indulgence, la version de Philippe Cassard nous apparaît nue, implacable, et totalement déchirante. Tout comme les Histoires d’eaux de Debussy, qu’il charme de son jeu fluide à la sonorité délicate. 

Avec sa virtuosité, sa poésie tour à tour ardente et pudique, Philippe Cassard est certainement l’interprète idéal pour les sonates bouleversantes de Schubert. – Classica

Franz Schubert (1797-1828) – Sonate pour piano en la majeur, D.959  
Claude Debussy (1862-1918) – Histoires d’eaux / Reflets dans l’eau / Ondine / Poissons d’or / La cathédrale engloutie / Brouillards / Jardins sous la pluie / L’Isle Joyeuse 

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L’ensemble de la Deutsche Kammerakademie Neuss am Rhein se classe parmi les plus grands orchestres de chambre d’Allemagne. C’est en 1978 que le pédagogue, violoncelliste et chef d’orchestre Johannes Goritzki posa les fondements de l’orchestre. Son idée était de former un ensemble à cordes ayant la transparence et la finesse d’un quatuor. Ce que développa son successeur, le violoniste Lavard Skou Larsen. Basé dans la ville de Neuss, le DKN réunit des musiciens originaires de seize nations. Cette richesse culturelle donne à l’orchestre un regard particulier, unique, dans son approche et son interprétation des œuvres figurant à son vaste répertoire, allant de la musique baroque à l’avant-garde et au jazz. Après Graziella Contratto, Simon Gaudenz, Lavard Skou Larsen, Krzysztof Penderecki, et même à ses débuts Lord Yehudi Menuhin, c’est aujourd’hui la violoniste néerlandaise Isabelle van Keulen, l’une des grandes interprètes de notre époque, qui le dirige. De nombreux solistes de renom accompagnent les tournées européennes et américaines du DKN, de Kolja Blacher à Marc Coppey, Carolin Widmann, Alexander Lonquich, Philippe Cassard, Juan Diego Flórez. Plus de 40 enregistrements témoignent de l’esprit pionnier de la Kammer dont le chef est, depuis 2019, le violoniste austro-hongrois Christoph Koncz, par ailleurs violoniste principal de l’Orchestre philharmonique de Vienne.

Les œuvres tout comme les interprétations de la Deutsche Kammerakademie de Neuss sont d’une extrême virtuosité, spirituelles, expressives et touchantes. – ORF

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